Interview: Matt Lock
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interview by Christopher Rey Pérez
C.R.P. In “passionate model enthusiast,” are there conscious moves you made that distinguish the object’s body from the representation, in all its detail, of the object? I see a distinction between the body and the veil that covers the body in the Geppetto-like figure and the almost wood curtains. His jeans seem more than skintight. As if his pockets were painted on, the distinction between his body and the jeans that cover his body is that slight. Likewise, the curtains seem hard in form due to your choices that stress subdued details. A small rip. A slight crease. But the more I look at them, the more I begin to see two dresses, the left one torn, hanging. What choices do you make in dressing up raw, primary forms? Do the pockets make the jeans and does the rip make the curtains? Or do they reveal the legs within the jeans and the body in the curtains? Are the models on the table painted naked or clothed? M.L. For some reason, without thinking much, I draw all my characters in sweatshirt type tops and tight pants. Usually they are wearing shoes or boots. I am slightly unsure as to why I do this. If it looks too undisturbed I may draw a wrinkle or a hole on the pants or shirt. The tight pants on characters in certain drawings can perhaps be viewed as flesh. I think if I hadn’t given the model enthusiast pockets he would look pantless. However, I put the pockets on there without thinking. It’s all very much without thinking. Same goes for the curtains. I knew they were going to be tattered because the model enthusiast is a rather poor sap, of course. I don’t think too much about where to put the creases or rips. The pockets probably make the jeans for you, the viewer, and the rip on the curtains is kind of mandatory, from my point of view. The models on the table are definitely naked. I imagine them as having hard outer shells.
C.R.P. It then seems most of your moves are pre-reflective, maybe even intuitive. And you bring up an interesting point on how the rip in the curtains is (kind of) mandatory. To what extent, can you say, do you create under a feeling and the trust of that feeling? When something looks right, is it because it works within the logic of the scene, where certain aspects precipitate others, such as: because of poor sap, then tattered curtains? For a number of years, I’ve known you and your work, and you continually strike me as an individual with unwavering aesthetic unity. What I’m trying to say is it seems a select (or selective) number of influences within culture, music, and art have continued to form your style throughout time. What artists, movements, ideologies, and other random things have influenced you and are perhaps working under your intuitive grasp in the drawing of scenes like “passionate model enthusiast” or “surprised sentry?” M.L. Some drawings are sketched in pencil, while others are drawn spur of the moment. I am rather partial to the sketched drawings because a good idea seems to better take shape through a series of sketches and a final inking. That beings said, some of my favorite pieces that I’ve made are spur of the moment pieces. I rarely trust my feelings whilst drawing, even when engaged in making unplanned doodles that develop into things. Due to this fact I sometimes like to draw when I’m very hyper or very drunk as there is little to no self-doubt to get in the way of my drawing. I had an amazing experience drawing while quidding salvia quite recently. The drawing that resulted isn’t worth showing to anyone but I felt like a child again when I was making it. I was sucked into every detail. But most of the time I am in control when drawing. When something looks right it is due to the fact that it not only complements the overall “big picture” but looks appealing to me…it excites me. Certain aspects definitely precipitate others. In the case of the lonely model hobbyist, his hobby kind of damned him to look how he does, living in the kind of environment in which he is living. A drawn scene that looks very cold and sterile will not feature tattered curtains because the overall atmosphere that seeps from the drawing does not inspire me to draw tattered curtains…it wouldn’t complement the big picture. Things that have continued to influence me throughout my art career…it seems as if there are a million things to list. For the last few years, on and off, I’ve really enjoyed looking at a lot of medieval art. I like how “wrong” the proportions are, as well as the way in which typically somber and sometimes violent atmospheres have a bit of humor injected into them due to purposefully ugly or ridiculously grotesque characters. Besides medieval art, I have consistently been inspired by heavy metal music, outsiders and hermits, post-apocalyptic musings, and science-fiction. As far as artist inspirations go, I’ve been consistently inspired by a very small cluster of artists, some of whose works I haven’t kept up with. Most notably I’ve enjoyed work from Leon Sadler, Jon Chandler, Yuichi Yokoyama, some of Mark Delong’s less abstract stuff, and Frederic Fleury. I find that some artists, like Fleury influence me more on a content or mood level than on a stylistic level. I think I’ve been getting more interested in Japanese ero-guro artwork as of late; I keep finding myself looking at Suehiro Maruo and Toshio Saeki stuff online. But I must admit that I don’t really keep in contact with what is going on in the “art world.” Maybe once a month or so I’ll check up on some of my flickr contacts or go to a website of an artist I like, but that’s it. Usually when I’m looking at art, it is old art; I take out a lot of art books from the library and save a lot of jpegs of strange “amateur” artwork that I come across online when it makes me feel a violent urge to draw.
C.R.P. The hermit, in its original meaning, represented a Christian who chose an eremitic life in order to concentrate on her devotions. In its colloquial sense, Wittgenstein was a hermit too when he decided to move to his hut in Norway, and many more thinkers and artists have found needed time and breath in seclusion. Because your work has shown in galleries and zines, you’re a part of the art world to some extent, even if it’s counter to the economic and ideological forces that primarily determine it. Do you think your focus on amassing a historical as well as popular perspective is formative and that you’re at a stage of your career that necessitates devotion to influences outside of the contemporary art world? Or is eremitism not so much a choice but a result of your environment and circumstance? M.L. All true, and I certainly do not define myself as a hermit. I have to get up and go out to class and, at the moment, I am living on campus. In my work, however, I am sometimes very inspired by the idea of the romanticized hermit. For example, the model artist in the drawing we previously discussed might be defined as a “basement dweller” by some, but I can redefine him as a hermit of sorts. There is something heroic about him in that he makes no attempt to “come out of his shell” in order to please the extroverted world. To be frank, I have never much thought about purposefully avoiding the art world solely from an artist’s perspective. I’m the type of person who gets very obsessed with things and when I’m obsessed with a genre of music or a type of image or color combination, etc, I tend to ignore other things that I was very excited about months earlier. This is a cyclical pattern of course, but I have noticed that, when it comes to looking at art, my attraction to new artists and forms, etc, comes on very slowly. I am not really crazy about art like I am about music. That being said, I find making art more enjoyable than I do making music. I don’t feel that I must cling to influences outside of the contemporary art world. I just happen to feel more of an attraction when looking at Pieter Bruegel or hand-drawn death metal demo tape covers than 99% of everything I see when browsing art museum websites, flickr, fffound, etc. In time I’m probably going to get really excited about some new art and it will hopefully influence my work for the better.
C.R.P. I definitely see where the romanticized ideal plays into your art. A lot of your work negates the extroverted world and offers imagined alternatives. It seems obsessive too in its constant “no” of the given. That’s where the heroism comes into play. All of the six works you gave me show a constant refusal of reality’s fantasy that what it is can explain why it is. You’re able to present these figurative, subjective worlds without letting go of a very real, human grip. I think that’s why the face makes so many appearances in your work. And forms of violence. For instance, the character in “hunchback hurries through the haunted pass” shows such a pained expression that it seems like the specter has haunted him all his life. And in looking at the rest of your work, the ideas of pain, fear, decay, solitude, and violence come to mind. What place do they have in your art and are they ideally positive or negative attributes? Is your negotiation of them also cyclical, like your influences, or do they stem from a deeper, perhaps more personal and permanent, worldview? M.L. Funny you mention the consistency of faces in my artwork. A few months back I was trying to get away from drawing faces and attempting to make a lot of still-life objects. I was mostly attempting to do a lot of futuristic, but crudely fashioned, jars, vases, and bottles. It wasn’t long before I was making animal faces on these objects and therefore felt as if I might as well adorn them with human faces. After a week or so passed I returned to drawing humanoids with traditional faces and bodies. There is something so enjoyable and exciting about drawing a human-like face for me; I doubt I will ever completely abandon it in my work. Violence and urgency (the latter sometimes taking the form of dripping beads of sweat) are expressed so commonly in my work because I see both so often in the “our world” and therefore think about them a lot. It seems that it is incredibly easy for humans to do extremely violent things, for all that is holding us back is conditioning to certain moral codes and, of course, fear of losing physical freedom as punishment. In a large portion of my post-apocalyptic artwork, due to a consistent lack of law and order, there is an ever-present atmosphere of violence. In a way I feel this is very liberating, but at the same time I wouldn’t want to live there. Decay is also understandably abundant in a post-apocalyptic setting. However, with my newer works I’m into this idea of rigid order bearing a clean environment devoid of decaying rubble and such. Fear and pain, in this case, are doled out in an organized, rather than chaotic, manner. All that aside, the atmosphere of solitude runs through either “setting.” Solitude is, for me, some kind of necessary state of being in that it causes one to learn a lot about oneself. The drawback is harrowing loneliness, for some, but it is probably worth it. For all these concepts: pain, fear, decay, solitude, and violence, there are both positive and negative sides. I guess that in an “ideal” reality, they would all be in balance with one another or with their polar opposites. At the moment I am confident in telling you that my approach to these concepts is not very cyclical at all, but rather permanent. I mean, interpretation of these ideas is ongoing, of course, but I doubt I’ll ever make one piece devoid of all five of them.
C.R.P. I definitely get a sense of that permanence in your work. It adds a sense of weight. André Bréton describing Aimé Césaire’s poetry says there’s an “unmistakable major tone” distinguishing great from lesser poets. Likewise, that major tone seems present in the thorough consistency of your art. When you mention that your interpretation of the ideas discussed is ongoing I think of a fluid form of permanence rather than an ideological obstinacy. As a way of closing the interview, could you mention a little about your future in terms of your ideas, art, and life? M.L. Thanks for the compliment. I tend to think that I will be drawing long into the future, hopefully, expanding upon the same ideas via varied forms of media. While I’d like to get into printing and sculpture I’m always going to feel best when drawing. There’s something about sitting down with a pen or pencil and a sheet of paper in front of me. Yes, it’s nice because it’s familiar but it is also exciting, at least most of the time. Unlike painting, for example, there needn’t be any planning prior to drawing. Sometimes I will sketch out an idea but other times I’ll just begin to draw and see where it goes. I’m frequently saying that I’m going to dabble in various forms of media but realistically, the only things I’m dabbling in at the moment are collage and digital sculpture. I want to advance the setting in which a lot of my newer artworks are taking place, in the sense that I want to make it more abstract, more extreme in terms of controller characters being really huge and controlled characters being really small. Concerning the latter, I have been wanting to draw a bunch of really small humanoids with genitalia on top of their heads…I don’t want this to end up looking clinical, however. At the moment I’m finishing up a series of drawings and paintings for my upcoming second solo exhibition. After I wrap that up I’ll start playing around with some new ideas and begin my third year at university. I tend not to think 5 or 10 years ahead since I could die tomorrow but ideally I’d like to have a mundane job that pays well and requires minimal contact with large groups of people. On the side I’ll draw and paint and engage in other pleasurable activities.
– entrevista por Christopher Rey Pérez Conheci Matt Lock em um momento de formação pessoal na minha adolescência, quando a Internet era tudo para mim, como uma válvula de escape. Ele estava em Massachusetts e eu estava no Texas e ambos fazíamos música e colaborávamos com pequenos selos de cassetes. Além dos seus diversos projetos musicais que variavam de pop punk para noisey lo-fi black metal, foi a sua arte que sempre se destacou para mim, muito pela sua perseverança estética que travava uma espécie de paixão estóica. Seu trabalho caminha paralelo com as tendências estilísticas focadas na nostalgia que está presente entre certos grupos de jovens artistas, mas consegue ignorar a típica ironia e o comercialismo que esses artistas por vezes são vítimas. Através de uma série de e-mails, eu tive a chance de fazer algumas perguntas baseadas em seis obras que ele me mandou. C.R.P. Em “passionate model enthusiast”, há movimentos conscientes que você fez para distinguir o corpo do objeto da representação, em todos os seus detalhes, do objeto? Vejo uma distinção entre o corpo e o véu que cobre o corpo do cara que parece o Geppetto e nas cortinas. Seus jeans parece mais do que apertados. Como se seus bolsos fossem pintados nele, o espaço entre o seu corpo e a calça jeans que cobre seu corpo é quase imperceptível. Da mesma forma, as cortinas parecem difíceis em forma devido às suas escolhas que estressam detalhes suaves. Um pequeno rasgo. Um vinco ligeiro. Mas quanto mais eu olho para elas, mais eu começo a ver dois vestidos, o esquerdo rasgado, pendurado. Quais as escolhas que você faz para vestir formas brutas, primárias? São os bolsos que fazem a calça e o rasgo faz as curtinas ? Ou será que eles revelam as pernas dentro das calças e o corpo nas cortinas? Os bonecos em cima da mesa estão nus ou vestidos? M.L. Por alguma razão, sem pensar muito, eu desenho todas as minhas personagens em moletons e calças apertadas. Normalmente eles estão usando sapatos ou botas. Eu não sei exatamente por que faço isso. Se tá parecendo muito certinha, geralmente desenho um rasgo ou um furo nas calças ou na camisa. As calças apertadas sobre personagens de certos desenhos podem talvez serem vistas como a própria carne. Acho que se eu não tivesse dado os grandes bolsos ao modele ele ficaria sem calças. No entanto, eu coloquei os bolsos lá sem pensar. É tudo muito sem pensar. O mesmo vale para as cortinas. Eu sabia que eles iam ser esfarrapadas, porque o modelo é um pobre coitado, um bêbado, é claro. Eu não penso muito sobre onde colocar os vincos ou rasgos. Os bolsos, provavelmente, fazem o jeans para você, espectador, e os rip nas cortinas é meio imperativo, do meu ponto de vista. Os modelos sobre a mesa estão definitivamente nus. Imagino-os tendo rígidas cascas na pele. C.R.P. Parece que a maioria dos seus traços são pré-reflexivo, até mesmo intuitivos. E você traz um ponto interessante sobre como os rasgos nas cortinas são (meio que) obrigatórios. Até que ponto, você pode dizer, você cria a partir de um sentimento e sob a confiança dese sentimento? Quando algo parece certo, é porque ele parece estar dentro da lógica da cena, onde certos aspectos levam a outros, tais como: primeiro temos o tonto, em seguida, cortinas esfarrapadas? Faz um bom tempo que eu conheço você e seu trabalho, e você sempre me parece uma pessoa com uma unidade estética inabalável. O que eu estou tentando dizer é que parece que um seleto (ou seletivo) número de influências, dentre cultura, música e arte, continuam a formar o seu estilo ao longo do tempo. Que artistas, movimentos, ideologias, e outros tipos de coisas te influenciam e talvez estejam no seu subconsciente como em desenhos como “passionate model enthusiast” ou “surprised sentry”? M.L. Alguns desenhos são esboçados a lápis, enquanto outros são feitos por impulsos de momento. Eu sou bastante parcial com os desenhos esboçados, porque uma boa idéia parece tomar a melhor forma através de uma série de esboços e por fim a tinta. O que quero dizer é que, algumas das minhas peças favoritas, são sé impulsons de momento. Eu raramente confio em meus sentimentos enquanto desenho, mesmo quando estou empenhado em fazer rabiscos não planejados que se desenrolam em outras coisas. Devido a este fato, às vezes eu gosto de desenhar quando estou muito chapado ou muito bêbado, porque são nesses momentos que aquelas dúvidas em relação a que rumo tomar com meu desenho somem. Eu tive uma experiência incrível desenhando enquanto mastivaga sálvia muito recentemente. O desenho não vale a pena mostrar para ninguém, mas eu me senti como uma criança novamente quando eu estava fazendo isso. Fui sugado em cada detalhe. Mas a maior parte do tempo eu estou no controle durante o desenho. Quando algo parece certo, não é so pelo fato de que complementa a composição como um todo, mas simplesmente parece atraente para mim … me anima. Certos aspectos definitivamente levam a outros. No caso desse modelo, seu passatempo o condea a parecer assim, vivendo no tipo de ambiente em que vive. Se for desenhar uma cena fira e estéril, ela não contará com cortinas esfarrapadas, porque a atmosfera que escoa a partir do desenho não iria me inspirar pra desenhar cortinas esfarrapadas … não iria complementar a cena como um todo. Coisas que têm influenciado toda a minha carreira artística … parece que há um milhão de coisas para listar. Nos últimos anos eu realmente tenho visto muita arte medieval. Eu gosto de como são “erradas” as proporções, bem como a maneira em que atmosferas tipicamente sombrias e às vezes violentas levam um pouco de humor devido a personagens propositalmente feias ou ridiculamente grotescas. Além da arte medieval, eu sempre me inspirei em heavy metal, rejeitados e eremitas, reflexões pós-apocalípticas, e ficção científica. Em relação a inspirações em outros artistas, tenho sido constantemente influenciado por um grupo muito pequeno de artistas, alguns de cujos trabalhos eu não ando acompanhando mais. Aprecio principalmente os trabalhos de Leon Sadler, Jon Chandler, Yuichi Yokoyama, algumas das coisas menos abstratas do Mark Delong, e Frederic Fleury. Eu acho que alguns artistas, como o Fleury me influenciam mais em conteúdo ou atmosfera do que estilisticamente. Eu tenho me interessado mais em ero-guru japonês; eu sempre me pego vendo trabalhos do Suehiro Maruo e do Toshio Saeki. Mas eu devo admitir que eu realmente não sei o que está acontecendo no “mundo da arte.” Talvez uma vez por mês eu vou dar uma olhada em alguns dos meus contatos do flickr ou ir a um site de um artista que eu gosto, mas é isso. Geralmente quando eu estou olhando para a arte, é arte antiga; eu costumo pegar um monte de livros de arte na biblioteca e guardar um monte de jpegs de obras “amadoras” desconhecidas que me deparo online, e isso me faz sentir um desejo violento para desenhar. C.R.P. O eremita, em seu significado original, representa um cristão que escolheu uma vida eremita, a fim de se concentrar em suas devoções. Em seu sentido coloquial, Wittgenstein era um também um eremita quando ele decidiu se mudar para sua cabana na Noruega, e muitos outros pensadores e artistas têm encontrado tempo para descanso em reclusão. Como o seu trabalho é exposto em galerias e zines, você faz parte do mundo da arte, de certa maneira, mesmo que seja contra as forças econômicas e ideológicas que a determinam. Você acha que seu foco em acumular uma perspectiva histórica, bem como popular é formativo e que você está numa fase de sua carreira que exige devoção a influências exteriores do mundo da arte contemporânea? Ou eremita não é exatamente uma escolha, mas um resultado do seu ambiente e circunstâncias? M.L. Tudo isso é verdade, e eu certamente não me defino como um eremita. Eu tenho que me levantar e sair para a aula e, no momento, eu estou vivendo no campus. No meu trabalho, no entanto, me sinto inspirado pela idéia do eremita romantizado. Por exemplo, o artista modelo no desenho discutido anteriormente pode ser definido como um “rato de porão” por alguns, mas eu posso redefiní-lo como um eremita das sortes. Há algo de heróico sobre ele de modo que ele não faz nenhuma tentativa para “sair da sua bolha” para agradar o mundo extrovertido. Para ser franco, eu nunca pensei muito sobre evitar propositalmente o mundo da arte apenas do ponto de vista de um artista. Eu sou o tipo de pessoa que fica muito obcecado com as coisas e quando estou obcecado com um gênero de música ou um tipo de imagem ou combinação de cores, etc, costumo ignorar outras coisas em que eu estava muito animado meses antes. Este é um padrão cíclico, é claro, mas tenho notado que, quando se trata de olhar para a arte, a minha atração para novos artistas e formas, etc, vem muito lentamente. Eu não sou realmente louco por arte como eu sou por música. Por outro lado, acho que fazer arte é muito mais agradável do que fazer música. Eu não sinto que eu tenho que agarrar-me a influências exteriores do mundo da arte contemporânea. É só que me sinto mais atraído por qualquer coisa do Pieter Bruegel ou alguma capa de uma cassete de death metal desenhada mão do que 99% de tudo o que vejo ao navegar em sites de museus de arte, flickr, fffound, etc. Com o tempo eu provavelmente vou ficar realmente empolgado com alguma arte nova e espero que isso influencie meu trabalho para o melhor. C.R.P. Eu definitivamente vejo o ideal romântico em sua arte. Grande parte do seu trabalho nega o mundo extrovertido e oferece alternativas imaginadas. Parece obsessivo também em seu constante “não” ao que é dado. É onde o heroísmo entra em jogo. Todos os seis trabalhos que você me mandou mostram uma recusa constante de fantasia da realidade de que o que é possível de explicar por que é. Você é capaz de apresentar estes, mundos subjetivos, figurativos, sem deixar de ter um apelo muito real, humano. Eu acho que é por isso que aquela cara faz tantas aparições em seu trabalho. E formas de violência. Por exemplo, o personagem em “hunchback hurries through the haunted pass” tem uma expressão tão triste que parece que um fantasma o assombrou por toda a sua vida. E ao olhar para o resto do seu trabalho, as idéias de dor, o medo, a decadência, a solidão e a violência vêm à mente. Que lugar eles têm em sua arte e eles são idealmente positivos ou atributos negativos? Sua negociação com eles também é cíclica, como suas influências, ou elas resultam de uma mais profunda, talvez mais pessoal e permanente, visão de mundo? M.L. Engraçado você mencionar a aparição das faces em meu trabalho. Alguns meses atrás eu estava tentando ficar longe de desenhar rostos e tentar fazer um monte de natureza morta. Eu estava principalmente tentando fazer uns jarros, vasos e garrafas futurias, mas com umas formas grotescas. Não demorou muito para que eu me pegasse fazendo caretas de animais sobre esses objetos e, portanto, senti como se eu poderia muito bem enfeitá-las com rostos humanos. Uma semana se passou e voltei para humanóides, desenho com rostos tradicionais e órgãos. Tem alguma coisa muito agradável e emocionante sobre o desenho de um rosto humano para mim; eu duvido que vou abandoná-los completamente do meu trabalho. Violência e urgência (esta última, por vezes, tomando a forma de gotas de suor escorrendo) são expressos tão comumente no meu trabalho porque eu vejo tanto tantas vezes no “nosso mundo” e, portanto, penso muito sobre isso. Parece que é incrivelmente fácil para os seres humanos fazer coisas extremamente violentas; a única coisa que nos segura é que estamos condicioanos a certos códigos morais e, é claro, o medo de perder a liberdade física como punição. Em grande parte da minha arte pós-apocalíptica, devido à falta consistente da lei e da ordem, há uma atmosfera sempre presente da violência. De certa forma eu sinto que isto é muito libertador, ao mesmo tempo que eu não gostaria estar ali. Decadência é também compreensivelmente abundante em um cenário pós-apocalíptico. No entanto, com os meus trabalhos mais recentes, estou nessa idéia de ordem rígida tendo um ambiente limpo desprovido de entulho em decomposição e tal. Medo e dor, neste caso, são distribuídos de forma organizada, ao invés de maneira caótica. Além disso tudo, a atmosfera de solidão se apresenta como “configuração.” A solidão é, para mim, uma espécie de estado de ser necessário na medida em que leva alguém a aprender muito sobre si mesmo. A desvantagem é a solidão angustiante, para alguns, mas provavelmente vale a pena. Por todos estes conceitos: dor, medo, decadência, solidão e violência, há os dois lados, positivos e negativos. Eu acho que em uma realidade “ideal”, todos eles estariam em equilíbrio entre si ou com os seus pólos opostos. No momento eu estou confiante em dizer que a minha abordagem destes conceitos não é muito cíclica, mas sim permanente. Quero dizer, a interpretação dessas idéias está em curso, é claro, mas eu duvido que eu nunca mais vou fazer uma peça desprovida de todos esses cinco conceitos. C.R.P. Eu definitivamente sinto esse ar de permanência em seu trabalho. Ele adiciona uma sensação de peso. André Bréton descrevendo a poesia de Aimé Césaire diz que há um “tom maior inconfundível” que disitingre os grande poetas dos menores. Da mesma forma, esse tom maior parece presente na consistência completa da sua arte. Quando você menciona que a sua interpretação das idéias discutidas está em curso, eu penso em uma forma fluida de permanência em vez de uma obstinação ideológica. Para encerrar a entrevista, você poderia falar um pouco sobre o seu futuro em termos de suas idéias, arte e vida? M.L. Obrigado pelo elogio. Eu tendo a pensar que vou estar desenhando cada vez mais no futuro, espero, expandindo também as mesmas ideias através de variadas formas de mídia. Mesmo querendo me aventurar em impressão e escultura eu sempre vou sentir melhor desenhando. Há algo sobre sentar-se com uma caneta ou lápis e uma folha de papel na minha frente. Sim, é bom porque é familiar, mas também é excitante, pelo menos na maior parte do tempo. Ao contrário de pintura, por exemplo, não há necessidade de planejar seu desenho com antecedência. Às vezes, eu vou esboçar uma idéia, mas outras vezes eu só vou começar a desenhar e ver onde ele vai. Eu estou dizendo que com freqüência eu vou mexer com várias formas de mídia, mas, atualmente, as únicas coisas que eu estou tentando no momento são colagens e esculturas digitais. Eu quero avançar o cenário dos meus trabalhos mais recentes, no sentido que eu quero torná-los mais abstratos, mais extremos em termos de caracteres controladores sendo personagens realmente enormes e controlados, sendo muito pequenos. Sobre este último, eu estava querendo desenhar um monte de humanóides realmente pequenos, com a genitália em cima de suas cabeças … No entanto, eu não quero isso acabe ficando com um olhar clínico. No momento eu estou terminando uma série de desenhos e pinturas para a minha segunda exposição individual. Depois que eu terminar isso, vou começar a brincar com algumas idéias novas e começar o meu terceiro ano na universidade. Eu tento não planejar mais do que 5 ou 10 anos à frente, afinal eu posso morrer amanhã, mas idealmente eu gostaria de ter um trabalho mundano que pague bem e que exija o mínimo de contato com grandes grupos de pessoas. Paralelo a isso, eu vou desenhar e pintar e me envolver em outras atividades que me dão prazer.
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