Relatório de Viagem: Inhotim

textos e fotos por Gabriel O Garcia e Leandro Miyashiro

“Tudo é percebido apenas sob o aspecto que pode servir a qualquer outra coisa, por mais vaga que possa ser a idéia dessa outra. Tudo tem valor somente enquanto pode ser trocado, não enquanto é alguma coisa do per se. O valor de uso da arte, o seu ser, é para os consumidores um fetiche, a sua valoração social, que eles tomam pela escala objetiva das obras, torna-se o seu único valor de uso, a única qualidade de que usufruem. Assim o caráter de mercadoria da arte se dissolve no próprio ato de se realizar integralmente. Ela é um tipo de mercadoria, preparado, inserido, assimilado à produção industrial, adquirível e fungível, mas o gênero de mercadoria arte, que vivia do fato de ser vendida, e de, entretanto, ser invendável, torna-se (hipocritamente) o absolutamente invendável quando o lucro não é mais só a sua intenção, mas o seu princípio exclusivo” Theodor Adorno

Inhotim é um lugar único no Brasil. Poucas instituições no mundo dedicam centenas de hectares de jardins e campos a nada além da arte e da natureza. São aproximadamente 790 hectares, 18 galerias, 450 obras, 500 funcionários e 1500 espécies só de palmeira.

O acervo é particular, do empresário e mecenas das artes Bernardo Paz. Conta a lenda que há cerca de 20 anos ele começou a se desfazer da sua coleção de obras modernas brasileiras (alguns Portinari e outros Di Cavalcanti) para formar um acervo de obras contemporâneas. Assim surgiu Inhotim, uma fazenda simples com paisagismo inspirado diretamente por Burle Marx, que serviu inicialmente para abrigar o extenso acervo do colecionador, mas que felizmente foi aberto ao público em 2006 em uma das mais importantes iniciativas artísticas do país em termos institucionais.

Tudo é impressionante, algumas vezes inacreditável, e eventualmente a sensação é a de ter sido deslocado para outro mundo. O “parque de diversões” de Bernardo Paz funciona muito bem, tão bem que eventualmente podemos nos perguntar se é normal. É extremamente bem cuidado, limpo, conservado, planejado e seus funcionários são bem informados também. Todos os pavilhões parecem ter sua razão de estar onde estão, dispostos da maneira como estão, e qualquer alteração nessa disposição comprometeria o planejamento. O pavilhão de Adriana Varejão não poderia ser de Miguel Rio Branco e vice-versa.

Pelo menos duas obras ganham ainda mais força se considerarmos sua proposta, o pavilhão criado para abrigá-las, a localização deste pavilhão na instituição e o acesso à ele. São eles “The Nurder of Crows” de Janet Cardiff, e “Sound Pavilion” de Doug Aitken. Provavelmente são os pavilhões mais isolados, mas não parece ser fruto do acaso.

A instalção sonora de Cardiff fica em um pavilhão literalmente no meio da mata, e para chegar nele, uma trilha também no meio da mata de pelo menos 10 minutos. Pouco a pouco, o visitante vai deixando qualquer vestígio ou lembrança do mundo para trás, entrando na floresta. O silêncio absoluto reina na metade do caminho. A partir daí, um misterioso som é ouvido ao longe, e pouco a pouco uma mistura de ansiedade, curiosidade e inquietação domina o visitante até que ele cumpra sua única missão na terra naquele momento: o de chegar no pavilhão de Janet Cardiff pronto para a completa imersão. Não há arrepedimento para aqueles que batalharem por esses 30 minutos indescritíveis na vida de qualquer um que passar por ali.

A outra obra que se fortalece com seu isolamento é o Sound Pavilion. Sua localização é no final de uma trilha de aproximadamente 1km (se contarmos a volta, 2km). Muitos podem se desanimar, ou até mesmo questionar o esforço de caminhar 20 minutos na subida para contemplar apenas uma obra isolada. Vale ressaltar que o instituto tem um sistema de transporte interno que leva os visitantes pro pavilhão que ele desejar, porém, o percurso também parece fazer parte da obra de Aitken. A obra em si é muito “simples”: um pavilhão redondo reproduz o som de um microfone instalado 200 metros de profundidade. O percurso é cansativo, a chegada é vitoriosa e a experiência é merecida.

Quase todo o mobiliáro (bancos, mesas, casulos) espalhado por inhotim são de autoria de Hugo França. Os móveis são esculpidos em enormes troncos de árvores brasileiras (geralmente Pequi e Imbuia) que foram derrubadas, caíram ou morreram. O resultado final chama a atenção por diversos fatores, afinal todas as peças são únicas e irreproduzíveis. A grande motivação de Hugo França parece ser o de dar uma segunda chance a um material descartado, e seu trabalho dá nova vida e uso aos descartes naturais. Seus móveis são brutos ao mesmo tempo em que são delicados, e a diversidade de texturas, cores e sons aproximam o Eu de um contato com o natural. Muito provavelmente Hugo França enxergou nas falhas e imperfeições da madeira inutilizada, uma força; e seu trabalho explora essa potência e torna visível uma verdade oculta ao olhar desapercebido. E não seria esse o mesmo processo de criação de alguns dos artistas que estão em inhotim?

Além dos três artistas citados, Inhotim tem diversos outros em seu acervo, brasileiros e estrangeiros. De Helio Oiticica até Matthew Barney. Aliás, falando em estrangeiros, eles representam uma parcela significativa (e reveladora) do público que visita o instituto anualmente. Inhotim é o 3º lugar mais procurado para visita em Minas Gerais, ficando atrás apenas de cidades históricas.

Quase todos os pavilhões construídos em Inhotim são dedicados a um artista único. Funcionariam elas também como vitrines? Uma coisa é verdade: é muito mais interessante para um artista ter sua obra exposta em “Inhotins” do que guardada em um galpão. Estando em vitrines ou não, ponto para Bernardo Paz, que diferente de muitos colecionadores de arte (inclusive brasileiros) entendem a importância de compartilhar um acervo que ele constrói progressivamente. Além disso, seu ambicioso projeto parece ter dado certo, afinal o visitante costuma passar muito mais tempo em Inhotim do que em qualquer Guggenheim.

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“Everything is perceived only under the aspect that it can fit any other thing, no matter how vague can the idea of the other be. Everything has value only when it can be traded, and not when is something per se. The value of the use of art, it’s mean-to-be, is to the consumers, a fetiche, its social valuation, that they take by the objective artworks’ scale, turns its single value of use, the only quality that they have. Thus, the meaning of art merchandising, prepared, inserted, understood to the industrial production, obtainable and fungible, but the type of trading art, that lived under the fact that was traded, and inspite of it, being unmarketable, becomes (hypocritically) the absolutely unmarketable when the profit is not only one more intention, but his exclusive principle”. Theodor Adorno

Inhotim is a singular place in Brasil. Few organizations in the world spare hundreds of squarefeet for fields and gardens to nothing but art and nature. There are nearly 790 hectares (or nearly 3,05 square miles), 18 galleries, 450 works, 500 employees and 1500 palm tree species.

The collection is private, from the entrepreneur and arts’ patron Bernardo Paz. Rumor has it that 20 years ago he started to dissolve his collection of modern brazilian artworks (some Portinari, some Di Cavalcanti, to mention a few), to build a colletion of contemporary works. This was the beginning of Inhotim, a simple ranch with landscape intervention inspired in Burle Marx (one of the greatest – if not the greatest – landscape artists from Brazil), that primarily worked to house the vast collection from the entrepreneur, which later and fortunately was opened to the public in 2006 in one of the most important artistic initiatives in Brazil regarding culture.

Everything is impressive, sometimes hard to believe, and occasionally the sensation is of having being teleported to another world. Bernardo Paz’s “amusement park” works so well, so neatly that we may caught ourselves asking if it’s normal. It is extremely neat, clean, preserved, planned, and the employees are well-informed and trained as well. All the pavilions seem to be where they are for a reason, placed in a certain way as they are, and any modification in the disposition would damage the plan. Adriana Varejão’s pavilion could not be from photographer Miguel Rio Branco, and vice-versa.

At least two works get even stronger, if we consider their idea, the pavilion that houses them, their location and their access. Janet Cardiff’s “The Murder of Crows” and “Sound Pavilion” by Doug Aitken are probably the most recluse pavilions, but it doesn’t seem to be randomly.

Cardiff’s sound instalation is at a pavilion in the middle of nowhere, literally. To get there, a track in the middle of the jungle giving at least a 10 minute walk… Step by step, the visitor slowly leaves any trace or memory of the world behind. From then on, a mysterious sound is heard at distance, and soon a mix of anxiety, curiosity and eager takes over the visitor until the accomplishment of his/hers single mission on Earth at that moment: get to the pavilion ready for a full imersion. There is no regret to the ones that struggle for those unspeakable 30 minutes that certainly marks anyone’s life.

The other work that gets stronger by its isolation is “Sound Pavilion”. Its localization is at the end of the 1km track (2km, counting the way back). Many can get turned off, or even ask if it’s really worth it the effort of the 20 minute walking up the hill to contemplate a single work. The institute has an internal transportation system that takes the visitor to the pavilion, if he/she wants, however, the tour also seems to belong to Aitken’s work, which is very “simple”: a rounded-shape pavilion reproduces the sound of a microphone at 200 meters underneath the ground.The tour is tiring, the arrival, triumphal, and the experience, deserved.

Almost all furniture (benches, tables, cocoons) spread through Inhotim are by designer Hugo França. The furnishings are sculpted in huge trunks from brazilian trees (usually Pequi or Imbuia) that were knocked down, fell or died. The final result drags attention for multiple reasons, after all, all pieces are unique and irreproducible. His great motivation seems to be giving a second chance to a disposed material, and his work to give new life and use to natural discards. His furnishings are raw, while they are delicate, and the diversity of textures, colours and sounds gets the Self in touch with natural. It’s very likely that Hugo França sees a powerful force in the imperfections of the sub-used wood; and his work explores this potential and makes visible a hidden true lying to the unnoticed eye. And wouldn’t this be the same creative processo as for some of the artists that are exposed in Inhotim?

Besides the three mentioned artists, Inhotim have many others in its collection, brazilians and non-brazilians. From Helio Oticica to Matthew Barney. By the way, speaking of foreigners, they surprisingly represent an integral part from the public that visits the Institute. Inhotim is the third most looked destination to visit in Minas Gerais, only behind their famous historical cities.

Almost all pavilions built in Inhotim are dedicated to a single artist. Do they work as display windows? One thing can be taken as truth: it is much more interesting for an artist to have his/hers artwork exposed in many others “Inhotins” than locked in a dark shed. Being displayed in glass windows or not, that is a golden star to Bernardo Paz, that differently than many other art collectors (including brazilians), understands the importance of sharing a collection that he builds progressively. Besides, his aspiring project seems to work, after all the visitor takes much more time to explore Inhotim than any other Gugghenheim.